Los 20 mejores himnos del hair metal de todos los tiempos

Sleazegrinder / Traducción: Fabián Solari - Es difícil imaginar el aire que respiramos o el agua que bebemos sin el trabajo pionero de Twisted Sister o Quiet Riot, ¿no es así? ¿Cómo podríamos medir nuestro estado actual de salud metalera? O si lo tomaríamos o no. ¿Hacemos rock hasta que caemos, o lo hacemos suave en ti? El movimiento de hair metal de la década de 1980 nos cambió a todos, para siempre. Ni siquiera importa si aún no naciste, aún eres susceptible a sus encantos y temores.

Mötley Crüe tocará en tu primera visita al club de striptease. Poison será la banda sonora de tu próximo picnic familiar. Es muy posible que te entierren en un Kiss Koffin.

Hair metal es un virus que nos infecta a todos. Era el sonido de la cultura juvenil en su punto más decadente, una bacanal interminable de vino, mujeres y canciones que prometía todo placer bajo el sol y pedía solo que te dejaras crecer el pelo, les dijeras a tus padres que se fueran a la mierda, y pasar un buen rato todo el tiempo.

Cuando murió, se lo merecía, pero cuando prosperó, fue realmente una maravilla para contemplar, el movimiento musical más miserablemente majestuoso jamás concebido. Aquí, una lista definitiva de los agitadores más poderosos del género, los himnos que lanzaron un millón de burnouts, los llamados clarines más efectivos que la vertiginosa década tenía para ofrecer ...

20. Autograph – Turn up the radio (1984)

Esencialmente, el ligero y frívolo reverso del metal como GN'R o Mötley Crüe, Autograph fueron un retroceso de la radio a finales de los años '70 glamour hard-rock actúa como Angel o Y&T. Formado en Pasadena en 1983 por el guitarrista/vocalista Steve Plunkett, Autograph nunca fue, por un momento, genial. Realmente no lo fueron. Fueron patrocinados por una compañía de bolígrafos, por chrissakes. Pero su baterista era hijo de David Lee Roth, y para mediados de los '80 todo el mundo con cabello largo consiguió un contrato discográfico, y así fue para Autograph. Lanzaron su álbum debut, "Sign in please" (¡Uf, las metáforas de la pluma!) a fines de 1984. Inicialmente se derrumbó, pero luego este molesto e irresistible gusano se apoderó de la radio de rock y les lanzó al disco de platino. No duró, pero démosles su momento en el sol. Una gran canción y una gran oda a un gran medio que se vuelve más tenue todos los días.

19. Europe - The final countdown (1986)

Para entender cómo esta canción se convirtió en un fugitivo en todo el mundo, debes recordar que la mayoría de la gente de los '80 sentía que había al menos una posibilidad decente de que todos moriríamos en una guerra nuclear antes de llegar a la década de 1990. Ronald Reagan era el líder del mundo del libre comercio, y era un maníaco de guerra. Así que Europe, una banda de pop-metal melódica sueca y sin pretensiones, escribió una canción sobre el fin del mundo tal como la conocemos, llena de órganos de tuberías y solos de guitarra rippin, y a todos nos encantó. Así de inestables éramos. Si naciste demasiado tarde para los '80, deberías contar tus jodidas bendiciones.

18. Skid Row – Youth gone wild (1989)

Hair metal estaba lleno de extravagantes frontmen, pero pocos eran tan ruidosos, controvertidos y desagradables como Sebastian Bach. Y él también podía cantar como un hijo de puta. Skid Row siempre caminó una línea tambaleante entre heavy metal puro - su álbum "Slave to the grind" es probablemente el disco más pesado en el canon hair metal- y el cebo de radio. Digan lo que quieran sobre baladas como "18 y life" or "I remember you" , pero este, su primer single del álbum debut del '89, es puro power-rock, con letras "Nunca jugué según las reglas, nunca me importó / Mi desagradable reputación me lleva a todos lados" que captó la esencia del malestar juvenil suburbano del glam perfectamente.

17. Dokken – Dream warriors (1987)

Aquí está la cosa con este. Esto es básicamente todo lo que necesitas saber sobre los años '80 en una canción. El tema del título de la taquillera tercera entrada de la ridículamente popular franquicia de películas de terror Nightmare on Elm Street, Dream Warriors IS 1987: adolescentes, heavy metal y películas de terror, exactamente en ese orden. Freddy Krueger y Don Dokken eran guisantes en la misma vaina, emisarios de la rebelión adolescente de gran caja, proveedores de emociones baratas, sustos fáciles, y la heroicidad de la guitarra de George Lynch. Suena anticuado y debería ser. Es el recuerdo cálido y borroso de los pisos de cine pegajosos y los fines de semana frecuentan arenas con encendedores de cigarrillos alzados al cielo.

16. Warrant - Cherry pie (1990)

Escrito en una caja de pizza en 15 minutos bajo coacción en la cola de las sesiones de grabación para el segundo álbum de Warrant, "Cherry pie" es a la vez el mejor y el peor hair metal que tuvo para ofrecer durante su último año de relevancia cultural. Algunos, incluso, pueden llegar a llamarlo el primer y más letal clavo en el ataúd de hair metal. Y puedes ver por qué. La canción era todo lo que la gente odiaba sobre el género: era sophomoric, sexista, trillado, obvio, juvenil. Pero, de nuevo, esas son todas las cosas que a la gente también le gusta del glamour. Warrant ya eran auténticas estrellas, no nos olvidemos de "Down boys" y "Heaven" de su debut en el '89, "Dirty rotten filthy stinking rich", pero esta es la canción que consolidó su (¿dudoso? lugar) en la historia del rock. Y aceptémoslo, es bastante grandioso. Y también bastante terrible. Maldita sea.

15. Faster Pussycat - Bathroom wall (1987)

No te engañes: había muy pocas figuras heróicas en el hair metal. La mayoría de los músicos principales eran cretinos. Mötley Crüe no eran excepciones a la regla, simplemente eran las más transparentes. Los tipos pegados a tus paredes en la década de 1980 eran básicamente capaces de todo: drogas, alcohol, sexo, en todas las combinaciones posibles. Las bandas de hair metal eran las calígulas eléctricas de la era Reagan. Y nadie era tan sórdido como Faster Pussycat. Ese era básicamente su ángulo completo, eran más groseros que todos los demás. También fueron el conducto principal del rock hacia el subsuelo. Incluso su nombre, una referencia al campeón de cine de cine de explotación, Russ Meyer, sugirió un profundo conocimiento de lo moderno y lo esotérico. Mientras que la mayoría de las bandas en Los Ángeles pagaban insultos a viejos rockeros clásicos como Zep y The Who, Faster Pussycat se apoyaba en el punk de finales de los '70 y en el motor-rock de Detroit. Tenían credibilidad callejera. No ayudó y ni siquiera era necesario, pero lo tenían, sin embargo. Mientras que la balada poderosa "House of pain" se convirtió en su mayor éxito, esta es la que realmente quisieron decir. Todavía apesta la habitación con el hedor asqueroso de whisky, cigarrillos y arrepentimiento cada vez que juega.

14. Cinderella - Shake me (1986)

"Shake me" no tuvo mucho éxito cuando el debut de Cinderella, "Night songs", llegó a las bateas en 1986. La balada poderosa "Nobody's fool" movió muchas más unidades. Pero sigue siendo uno de los mejores himnos de la era, cementando el lugar de Cinderella como una de las bandas más auténticamente rock nóminas de la ola glam. A medida que pasó el tiempo en su blues, las influencias pasaron a primer plano y los vestidos con volantes fueron algo más que una ocurrencia tardía, pero en este punto de su carrera, obtuvieron todo el paquete: cabello apilado a tope y rock duro.

13. Mötley Crüe - Live wire (1981)

Ciertamente hay precedentes de finales de los '70 que podrías señalar si realmente quisieras ser técnico al respecto, pero seamos sinceros, este grupo de 1981 es la madre de todos los himnos de metal. Claro, Mötley Crüe llegaría a convertirse en una de las bandas de rock/metal más grandes del planeta, pero su encarnación "Too fast for love" fue tan extraña, tan fuera de serie, tan cruda e inmediata que casi parece una banda completamente diferente que los millonarios tatuados que crearon "Girls girls girls". En este, el comienzo de su debut fuera de todo, Mick Mars nos presenta uno de los sonidos de guitarra más feos y seguros de todos los tiempos, puro punk, solo un gruñido mezquino, realmente. Los aullidos de Vince Neil, especialmente en el "wiiiiiireeeee" suenan positivamente tristes, y en realidad, las letras son más como el diario de un asesino en serie que el trabajo de los horndogs de 20 y tantos años. Ni siquiera suena como si conociera la letra (y, hasta el día de hoy, por lo general él murmura a través de los versos), y todo el asunto suena apresurado, como una maravilla de una sola toma que acaba de cambiar el rock n'roll para siempre. Nada de eso debería funcionar, pero todo funciona. "Live wire" es el mejor himno punk-slash-deathrock-slash-glitterrock de todos los tiempos. Relámpago puro en una botella. Rock'n'roll volvió peligroso otra vez.

12. Bon Jovi - Livin 'on a prayer (1986)

¿Ha habido alguna vez un hombre más adecuado para el puesto de estrella de rock que Jon Bon Jovi? Su banda de tipos Jersey de clase trabajadora propulsó el pelo metálico hacia la estratósfera con una combinación de looks y ganchos que eran completamente invencibles, y este - una inspiradora historia de amantes de la pequeña ciudad con letras dignas de Springsteen - fue su obra maestra. Un video que muestra a Jon 'Bon volando alrededor de una arena con un arnés para el deleite de miles, en su mayoría chicas que lamían los labios, lo puso todo en la cima. Claro, fue un esfuerzo tirar estos puffballs en la categoría de metal, pero fueron los años '80, hombre. Todo era metal.

11. SCORPIONS – Rock you like a hurricane (1984)

Los Scorps ya estaban bien, utilizando su euro-metal de dos guitarras para hordas de headbangers en todo el mundo. De hecho, ya se habían reinventado algunas veces, desde los rockeros hip-hop a principios de los '70 hasta los provocadores de rock duro 10 años después. "Love at first sting" de 1984 no fue una desviación radical de su monolítica obra maestra del '82 "Blackout", pero tomó un enfoque más comercial a su teutonic riff-mongering. El resultado final fue un monstruo vendedor de platino anclado por esta oda casi perfecta para todo lo que es pesado. El video exagerado, con la banda tocando dentro de una endeble jaula que amenaza con ser invadida por fanáticas en cualquier momento, ciertamente no duele.

10. Twisted Sister – We’re not gonna take it (1984)

El video de esta canción fue un fenómeno tan cultural que propulsó a Dee Snider, oscuro cantante de metal, al segundo vestidor favorito de Estados Unidos (junto a Boy George). Una historia clásica de la rebelión de la niñez, basada en el glamour burlón, "We're not gonna take it", una obra maestra del kitsch, tan hortera y ridícula como cabría esperar de un grupo de retorcidos matones de Nueva York vestidos con vestidos de casa destrozados, y tan pegadizo que no te dejaría la cabeza, ni la radio, durante años, tal vez para siempre. De su álbum seminal multi-platino "Stay hungry", desatado en un mundo loco por el metal en 1984.

9. Whitesnake – Here I go again (1987)

Habla sobre el lugar correcto, el momento adecuado. Whitesnake era una banda de hard rock de nivel medio de los '70 formada por David Coverdale después de dejar Deep Purple, y probablemente no tenía ninguna aspiración de ser glamoroso. Pero a mitad de camino de su transformación gradual de Zep-alikes a rock n 'roll más amigable para la radio, hair metal golpeó como un martillo y el todavía joven Coverdale treintañero se encontró en medio de una nueva carrera como Robert Plant con su set hairspray. Y aquí está la cosa: él puto clavado, es hombre. Muchos éxitos de hair metal han envejecido terriblemente, llenos de sonidos de tambores artificiales, letras vergonzosamente juveniles y musicalidad dudosa. Sin embargo, no de Whitesnake. El tiempo sólo ha fortalecido su legado y canciones como "Here I go again" suenan positivamente majestuosas en comparación con éxitos plásticos fantásticos de la misma época de matones como Danger Danger o Bulletboys. Y ¿ha habido alguna vez una línea de apertura tan grande como "No sé a dónde voy, pero estoy seguro de que sé dónde he estado". PD: Sí, sabemos que fue una nueva versión y apareció originalmente en el álbum "Saints & sinners" de 1982, pero Tawny Kitaen no se encontraba en ninguna parte en ese momento, así que olvídalo.
 

8. Ozzy Osbourne – Crazy train (1980)

¿Quién sabía que este chico lo tenía en él? Cuando Ozzy salió de Black Sabbath en 1979 bajo una neblina de alcohol, la mayoría de los fanáticos del metal pensó que sí, se registraría en la habitación de un motel y se bebería el hígado hasta la muerte. Y eso es básicamente lo que hizo durante los próximos años. Pero luego logró el regreso más notable, probablemente en la historia del rock n 'roll. Escogiendo al guitarrista de whizz-kid Randy Rhoads de las astillas de Quiet Riot, Ozzy se reinventó a sí mismo como el padrino del hair metal, produciendo dos álbumes emblemáticos en rápida sucesión para demostrarlo. El riff característico de "Crazy train" es tan icónico que, literalmente, todos los que conoces lo saben, podrían identificarlo en tres segundos o menos, y te dirán que es una melodía tremendamente buena. Y lo es. El hecho de que Rhoads muriera antes de poder ver el impacto tan duradero que tuvo en el heavy metal es una vergüenza, pero qué maldita canción.

7. Van Halen – Panama (1984)

Van Halen era una banda de rock de los '70 que se metió en la fiesta dl hair metal y procedió a limpiar el piso con los niños medio ingenuos que imitaban sus movimientos. Si alguien sabía cómo comandar un estadio lleno de adolescentes enloquecidos por el sexo, ese era David Lee Roth, y la guitarra pirotécnica de Eddie estaba muy por delante de la competencia en este punto que Panamá parece haber sido creada por una especie completamente diferente. ¿A quién le importa de qué se trata Panamá en realidad? ¿Drogas? Un stripper? ¿Un coche? - se siente como el corazón todavía palpitante de la noche del sábado, y conforme pasa el tiempo y las líneas del cabello retroceden hacia el éter, Panamá se ha mantenido tan potente y vital y tan realista como lo fue en 1984.

6. Ratt – Round and round (1984)

Ninguna banda ejemplificó los placeres hedonistas del hair metal tan fácilmente como lo hizo Ratt. Eran lo suficientemente duros y sórdidos para los tipos hardcore de rock n 'roll, pero llevaban suficiente maquillaje y también lanzaban suficientes ganchos pop para enrollar a los fanáticos de la corriente principal. Tenían un líder carismático, un gran sentido del humor y, durante algunos años, un pozo aparentemente interminable de éxitos de radio. " Round and round", desde su debut en el '84, fue su primer y mayor single, logrando el top 10 en los Estados Unidos. Y lanzándolos desde los sobrantes de los '70 hasta la próxima gran actuación de la noche a la mañana. Sigue siendo una de las canciones más reconocibles y aún bienvenidas de toda la era. Y el video tenía al antiguo gracioso Milton Berle arrastrado, así que eso también fue genial.

5. Kiss – Rock n’ roll all nite (1975)

Quizás esto sea una trampa, ya que fue lanzado una década antes de que el hair metal comenzara a funcionar, pero esta canción es básicamente el movimiento de hair metal resumido en dos gloriosos minutos glitter rock. Desde el tercer álbum de Kiss, "Dressed to kill" de 1975, "Rock n 'roll all nite" no pudo molestar mucho a las listas cuando se lanzó originalmente como single. La versión que la mayoría de la gente recuerda es la versión en vivo de "Kiss Alive" de 1976, el álbum que mostró a Kiss como superestrellas del rock mundial. Es casi imposible imaginar que esta canción no siempre fue un éxito o incluso que los humanos de carne y hueso la escribieron; todavía suena como si siempre hubiera existido. " Rock n 'roll all nite" es quizás lo más parecido que tiene hair metal a las escrituras sagradas. Todos debemos obedecer sus palabras de peso. Bonificación: deletrearon 'noche' mal. Una década más tarde, todo el mundo estaba deletreando mal, era todo.

4. Poison – Nothin’ but a good time (1988)

"Nothin’ but a good time" fue el primer sencillo del segundo álbum de la línea divisoria de Poison, "Open up and say ahh" de 1988. Su primer álbum, "Look what the cat dragged in" de 1986, los estableció como esencialmente el heredero evidente de Kiss, una explosión de spandex y chicle gigantesca que era imposible de resistir. En este punto, eran realeza del metal, los reyes absolutos del glamour, y esta canción era la banda sonora de su coronación. Un himno de fiesta en el sentido más literal, todavía tiene un poder inconmensurable. A pesar de que el hair metal había alcanzado su punto máximo en este punto y la fiesta pronto se rompería y se iría a mopear en franela desteñida, Poison siguió yendo viento en popa, y esta canción nunca perdió su encanto del corazón del sábado por la noche. Di lo que quieras de ellos, esta canción es tan clásica como el rock.

3. Quiet Riot – Metal health (1983)

Si no estuviste allí en ese momento, es imposible explicar adecuadamente el impacto que tuvo esta canción en la cultura pop en 1983. Fue literalmente en todas partes. Antes de "Metal health", el heavy metal era materia de adolescentes, el primo del bus corto hasta el punk. Después de "Metal health", todas las personas que conocieras fueron repentinamente metaleros, y el sonido de la riff ardiente gobernó el reino por el resto de la década. Para la mayoría de la gente, Quiet Riot aparentemente había surgido de la nada, pero la banda ya había estado en funcionamiento durante una década y anteriormente se jactaba de contar con el mejor manejador de trastes de Ozzy, Randy Rhoads en sus filas. Impulsado por el glamour de comienzos de los '70 y por la bocanada de su extravagante líder Kevin Dubrow, Quiet Riot había sido perfeccionado y pulido durante años cuando tuvieron su gran oportunidad. Su dominio en las listas de éxitos fue breve y la reacción fue brutal, pero durante un verano glorioso, Quiet Riot nos enseñó a todos a golpear nuestras cabezas, y no pudimos obtener suficiente.

2. GUNS N’ ROSES – Welcome to the jungle (1987)

Primera canción en el primer álbum de estudio de la mejor banda de glam flash metal de todos los tiempos. El glam metal ya existía desde años antes, pero nada de eso importaba hasta que esta canción se desatara. "Welcome to the jungle" validado todo lo demás. Fue más allá del arte, más allá del comercio, se mantuvo fresco sin importar cuán popular fuera, y cada segundo de eso es exactamente correcto. "Welcome to the jungle" no vino de la nada, está directamente inspirado en los íconos del glamour finlandés Hanoi Rocks y Smack, quienes se inspiraron directamente en Aerosmith y Nueva York Dolls, pero todavía no sonaba como cualquier otra cosa. Fue el logro máximo para una banda de agotados y medio muertos de hambre que resultaron ser los arquitectos de un mundo valiente y nuevo. La locura, el caos y muchos millones de dólares siguieron a su paso. No es de extrañar que Axl susurra "Oh my god" en la parte superior de la canción. Es como si ya supiera lo mal que esta canción los iba a joder a todos.

1. Def Leppard - Rock of ages (1983)

Por supuesto que es el número uno, ¿qué más? Mientras que "Hysteria" de 1987 se convertiría finalmente en el álbum más vendido de Def Leppard, "Pyromania" es el que los rompió en el estrellato mundial, en gran parte debido a esta canción. Una acumulación interminable en una orgía de estribillos melodiosos y pegajosos, o tal vez todo sea estribillo, es difícil de decir: "Rock of ages" golpea a todos los fanáticos del rock en el lugar correcto, y en el momento justo. Los primeros 20 segundos - cencerro, una risita, glooben-globbin - son tan heroicamente caballerosos que ya te ganaron antes de que ese riff maravillosamente perfecto aparezca. El resultado de un loco (productor Mutt Lange) jugueteando con el sonido de Lep un nivel casi sub-atómico hasta que cada segundo fue absolutamente e inconfundiblemente correcto y verdadero, esta es la mejor cosa que el hair metal alguna vez haya producido. Si a tus amigos no les gusta esta canción, destrúyelos. Si a tu pareja no le gusta esta canción, rompe con ella. No me importa quién eres, este es tu himno. Dios no te dio rock n 'roll, hombre. Def Leppard lo hizo.

Fuente: Louder

"Bang your head" con Quiet Riot en la Cape Coral Bike Night 10 de octubre

Brian Wierima - Traducción: Fabián Solari - La primera "Cape Coral Bike Night" está sacudiendo la velada de heavy metal el próximo sábado 10 de octubre en el Dixie Roadhouse, con leyendas del rock como Quiet Riot tocando en un concierto al aire libre para todas las edades a partir de las 20.00 horas.

Quiet Riot estará presentando sus himnos de rock populares, como "Cum on feel the noize" y "Metal health", así como un grupo de otros éxitos como "Mama weer al crazee now", "The wild and the young" y "Slick black Cadillac". 

Dirty Skirty será el primer partido de Quiet Riot, las puertas que se abren a las 18.00 horas. Dirty Skirty tocará a las 19.00 y Quiet Riot subirá al escenario a las 20.00 Con un cargo de $ 5 para el concierto al aire libre que también permite a 21 clientes más en el Dixie Roadhouse.

Con más de 30 años de rockeando y rodando por el mundo, Quiet Riot ha sufrido muchas transformaciones diferentes tanto dentro como fuera del escenario, con el veterano baterista Frankie Banali experimentando la gran mayoría de ellas.

Quiet Riot irrumpieron en la escena del rock en 1983 con su álbum "Metal health", que finalmente ocupó el puesto número 1 y fue disco de platino cinco veces a lo largo del proceso.

Desde entonces, Quiet Riot ha sido reconocida en todo el mundo para dos de sus grandes singles, uno de ellos un cover de Slade, "Cum on feel the noize" y su "Metal health".

"Somos muy afortunados de tener el doble golpe de" Cum on feel the noize "y" Metal health (Bang your head), 'que continuan para obtener el solid air en todo el país, además de ser presentado en numerosas películas, múltiples juegos Super Bowl y numerosos eventos deportivos, que ha mantenido la música de Quiet Riot representados y vivo y bien", dijo Banali. "Me agradan esas dos canciones, que tradicionalmente terminan el set en vivo de Quiet Riot. Todavía tengo una emoción de tocarlas y no me canso de hacerlo. Siguen siendo muy divertido para mí. Yo también sé lo mucho que los fans aman y aprecian esas dos canciones en particular, por lo que se alimentan de su energía de rock and roll y me da gran placer tocarlas".

Aunque la presión de dar continuidad a "Metal health" era lógica, la banda entró en el estudio el próximo año para grabar "Condition critical" fue lanzado 7 de julio 1984, y contó con otro cover de Slade "Mama weer all crazee now ".
Banali dijo que escuchó un montón de veces que "Condition critical" fue un fracaso, pero en voz baja no está de acuerdo con esa evaluación.

"La presión era enorme en el sello cuando llegó el momento de registrar el sucesor de "Metal health", que en su momento había vendido más de seis millones de copias sólo en los EE.UU. y un single de oro para un millón de ventas del sencillo "Cum on feel the noize". "Metal health "ha vendido más de 10 millones de copias en todo el mundo cuando dejé de contar hace 12 años en 2003", dijo Banali.

"Siempre me parece gracioso cuando la gente dice que "Condition critical" fue una decepción, ya que "sólo" vendió dos millones de dólares en los EE.UU. Siempre sonrío cuando oigo o leo eso y sigo adelante".
Pero el mayor desafío de Quiet Riot no vino en los charts sino en la continuidad. La banda ha tenido muchos miembros diferentes a lo largo de sus 30 años.

Fue en 2007 cuando Quiet Riot recibió su golpe más duro con el fallecimiento del histórico vocalista Kevin DuBrow, de notas altas y gritos bien tonificados que se pueden escuchar perfectamente en el mayor logro de la banda en "Metal health". 

A los 52 años de edad, DuBrow estaba dentro y fuera del escenario Quiet Riot en los últimos 30 años antes de su prematura muerte. DuBrow y Banali eran mejores amigos y cada uno de ellos jugaron papeles importantes para mantener vivo a Quiet Riot.

Así que fue una de las decisiones más difíciles y más emotivas de Banali para salir y encontrar a alguien que se haga cargo de las voces principales de su mejor amigo, DuBrow.

"La formación actual Quiet Riot incluye dos miembros que estaban en la banda cuando el último gran Kevin DuBrow falleció en 2007", dijo Banali. "Chuck Wright en el bajo, que ha sido de nuevo de nuevo bajista de Quiet Riot durante más de tres décadas, junto con el guitarrista Alex Grossi".

"Jizzy Pearl (Love / Hate, Ratt, LA Guns) está en su segundo año con Quiet Riot y ha estado yendo muy bien. Hemos estado en la carretera cada fin de semana durante los últimos siete meses. No es un reemplazante de Kevin, fue de una clase única y muy caro perder. Me tomé tres años fuera de Quiet Riot después de su muerte y cuando decidí traer Quiet Riot lo hice de esta manera".

Quiet Riot ha estado haciendo la gira de rutina durante los últimos cinco años y ha tocado en sedes de todos los tamaños. Banali, que también actúa como manager de la banda, ha aceptado numerosas fechas para el 2016 ya que todavía están en la vanguardia del entretenimiento en vivo.

Recientemente, Quiet Riot tocó como parte del proyecto en solitario del cantante de Twisted Sister Dee Snider en Montana frente a 20.000 espectadores.

No importa en que escenario Quiet Riot toque, aunque sea un espectáculo de coliseo en la Ciudad de México o de un ambiente más íntimo como el Dixie Roadhouse, la banda pondrá la misma intensidad de rock duro donde quiera que esté haciéndolo.

"Tengo una política con Quiet Riot, un lugar más pequeño tendrá el mismo conjunto de canciones de alta energía de parte de nosotros en festivales y estadios, porque todos y cada fan merece el mejor espectáculo en vivo que Quiet Riot les puede dar", dijo Banali. "Treinta años en el camino, todos somos muy afortunados de todavía poder tocar en vivo en cualquier nivel, ya sean fechas en clubes, escenarios o festivales. Se mantiene el rock and roll y escena del metal saludable para los fans y las bandas. Y la gira continuará el tiempo que los fans quieren que se mantenga".

La gente puede esperar los éxitos en la alineación Quiet Riot llegado el 10 de octubre en The Dixie Roadhouse. Habrá una buena dosis de canciones del álbum "Metal health", así como algunos del "Condition critical" y "Quiet Riot III". 

"También habrá algunas sorpresas, debe ser un momento caliente en Cape Coral en el Roadhouse Dixie. Por lo tanto, nos vemos allí para golpear su cabeza!", dijo Banali.

Fuente: Fort Myers Beach Talk

El recuerdo de la visita a Argentina de la revista Efecto Metal

En la última edición de la revista argentina Efecto Metal en la sección Retro se recuerda la visita de Quiet Riot a Buenos Aires en abril de 1985. 

Carlos Cavazo le dijo "no" a Banali respecto de su regreso a Quiet Riot

Blabbermouth.net / Traducción: Fabián Solari - El baterista de Quiet Riot, Frankie Banali, dice que el ex guitarrista de la banda Carlos Cavazo "se negó" a un posible regreso al grupo hace más de una década.

Cavazo fue miembro de Quiet Riot durante el período de mayor éxito comercial de la banda. Después de reemplazar a Randy Rhoads en la década de 1980, permaneció en Quiet Riot en la década de 2000 hasta que el grupo se separó. Cuando el vocalista Kevin DuBrow reformó Quiet Riot en 2003, Cavazo no fue de la partida. 

Banali revivió Quiet Riot en 2010, tres años después de la muerte de DuBrow, junto con el veterano bajista Chuck Wright, quien tocó en varias de las pistas en el clásico álbum "Metal health", y el guitarrista Alex Grossi. La banda reclutó a un nuevo vocalista, Jizzy Pearl, de Love/Hate, LA Guns, Adler's Appetite y Ratt en 2013.

Durante una aparición en la edición del 27 de julio de programa de radio SiriusXM de Eddie Trunk, "Eddie Trunk Live", a Banali se le preguntó sobre su relación con Cavazo y la razón de la ausencia del guitarrista de la versión actual de Quiet Riot.

"La situación con Carlos es interesante, porque creo que es genial, creo que es uno de los mejores guitarristas con los que he trabajado - él es muy, muy original - pero Carlos y yo, en el día a día, incluso durante el días de gloria, nunca tuvimos nada en común; acabamos viajado con diferentes personas, teníamos diferentes círculo de amigos", explicó Banali. "Y yo no creo que sea un gran apoyo que Quiet Riot no lo incluya, por su propia elección, y la continuación de Quiet Riot. Así que no es un gran apoyo en ese sentido. Yo no lo tomo personal. Quiero decir, yo le deseo lo mejor, y creo que está muy bien, y Ratt tiene la suerte de contar con él ".

El baterista continuó: "[Carlos] se distanció de Quiet Riot hace mucho tiempo. Hay que recordar, la última vez que tanto Rudy [Sarzo, bajo] y Carlos estaban en Quiet Riot fue en 2003. Y entonces Kevin hizo algo para alrededor de un año, y cuando me llamó y quería hacer nuevamente Quiet Riot la estipulación era, desde el punto de vista de Kevin, que no quería que Rudy participara ya que - por la razón que sea - no tiene problemas con él. Yo dije: 'creo que puede ser una buena idea tener a Carlos involucrado' porque él es uno de los tres de Metal health'. Y [Kevin] me dijo: 'voy a dejarlo en tus manos'. Hablé con Carlos y él no estaba interesado. Su excusa era que no iba a hacerlo a menos Rudy lo hiciera, totalmente a sabiendas de que no había manera de que Kevin lo hiciese si Rudy estaba involucrado. Así se encerró en 2003".

De acuerdo con Frankie, no vio a Carlos de nuevo durante casi una década hasta un encuentro casual en el Festival de Rock M3 en Maryland.

"Lo más sorprendente de todo es que no he tenido comunicación con Carlos en absoluto de 2003 hasta ese punto", dijo Banali. "Y cuando lo vi [en M3 en 2012], era todo sonrisas, y fue genial, y yo estaba feliz de verlo, y él parecía estar feliz de verme. Pero creo, cuando se cierra la puerta y él va hacia un lado y yo hacia el otro, es lo que es".

 

Fuente: Blabbermouth.net

El legado de Randy Rhoads para el heavy metal

Randy Rhoads habría celebrado su cumpleaños número 56 el día de hoy (Diciembre 6 de 2012). Rhoads nació el 6 de diciembre en el Hostipal St. John Hospital en Santa Monica, California. Era el menor entre tres hermanos. Su hermano mayor, Doug, es baterista y vocalista y su hermana es Kathy Rhoads.

Rhoads fue un innovador en la guitarra y en la composición musical. Sus habilidades en la guitarra eléctrica se puede comprobar en sus trabajos iniciales junto a Quiet Riot y obviamente en la carrera que forjó junto a Ozzy Osbourne.

Hoy, 30 años después de su trágica muerte, su música se conserva como inspiración para muchos músicos y dio el punto de partida para el trabajo de otras leyendas, como el también fallecido Dimebag Darrell Abbott (Pantera & Damageplan) y Zakk Wylde de Black Label Society.

En marzo 19 de 1982, Rhoads falleció de manera inmediata como consecuencia de un aparatoso accidente aéreo en Leesburg, Florida. Hoy conmemoramos el trabajo de un músico que contribuyó de gran manera en la formación del heavy metal producido en Estados Unidos:

CRAZY TRAIN – OZZY OSBOURNE & RANDY RHOADS

SOLO – RANDY RHOADS

Fuente: Metal Works

Un documental con alma

Ya en 1983, una banda estadounidense de heavy metal llamada Quiet Riot... absolutamente explotó. Después de años de ser rechazada por las compañías discográficas, después de años de lucha y cambios muy frecuentes en su formación, en el '83 todo cambió. Su álbum debut en Estados Unidos "Metal health" fue un gran éxito, se convirtieron en estrellas de rock instantáneos en el verdadero significado de las palabras. Como pasaron los años, y el cantante Kevin DuBrow alienado a sí mismo del resto de la banda y en particular de su mejor amigo, el baterista de Quiet Riot Frankie Banali, la banda prácticamente se desvaneció en el olvido, recurriendo a jugar en ferias del país por un par de cientos de entusiastas en la audiencia. DuBrow pasó algún tiempo fuera de la banda, expulsado por su comportamiento y traído de nuevo, y como Quiet Riot tuvo éxito en encontrar su ritmo, una vez más, DuBrow murió inesperadamente de una sobredosis de drogas en 2007. El documental de Regina Russell, titulado "Quiet Riot: Bueno ahora estás aquí, no hay camino de regreso" nos cuenta la historia de Frankie Banali, sus esfuerzos para que la banda vuelva a estar nuevamente junta, al mismo tiempo, con pasión explorando la turbulenta historia de la banda.

El documental arroja mucha luz sobre la historia de la banda. Al mostrar sus inicios, iluminando los lazos que mantienen la banda juntos durante todos esos años-en primer lugar, la amistad entre DuBrow y Banali y retratando honestamente los altibajos de Quiet Riot, la película que envuelve en la historia de estos notables personas. No es notable debido a su talento musical, a pesar de que algunas de las canciones del grupo se consideran ahora verdaderos clásicos de los años ochenta, pero notable debido a Frankie Banali y su determinación de perseverar, seguir haciendo lo que le gusta y, además de la cocina y la crianza de los hijos, al parecer lo único que es bueno en. Sra. Russell entrevistó a una gran cantidad de músicos y gente de la industria de los que estaban en las primeras filas cuando Quiet Riot se echó a la fama y la fortuna, que da a la historia un aire muy necesario de autenticidad, pero sería un error considerar esta precisión histórica como la mayor riqueza de los documentales de Russell. Lo que encontramos en el corazón de la película es la historia de Banali y los intrigantes preguntas que plantea.

Como somos testigos del carismático baterista, trabajar su camino para conseguir que los chicos estén juntos de nuevo, mientras que ver simultáneamente los períodos más emocionantes y más oscuros de la existencia tanto suya como de la banda, nos damos cuenta que no es sólo un documental sobre una banda que tuvo éxito. Es una película sobre la gente. La humanidad, la calidez y la compasión son dominantes aquí: mientras vemos a Banali pidiendo a la madre de DuBrow su bendición antes de traer a escena nuevamente a Quiet Riot a la vida, tal como lo vemos luchando con una gran cantidad de críticas que dirigió su camino tan pronto como él hizo su decisión pública, y especialmente como Banali parece francamente a la cámara, con lágrimas en sus mejillas y lo que consideramos un rastro seguro de la desesperación y la soledad en sus ojos, incapaz de explicar por qué ha de continuar tocando con palabras que no sean-es lo que hago.

Su incapacidad de dejar ir, que recurrir a una rutina diaria de tomar el desayuno y pasear al perro, no es triste o deprimente en absoluto. Aferrarse a brillos de momentos del pasado no es un hábito reservado sólo para los músicos, actores o ex deportistas. Es una emoción universal, típico y fácil de encontrar en las personas de todos los ámbitos de la vida. Esto le da a la película una alta dosis de calidez inesperada, y de repente nos encontramos unidos emocionalmente al protagonista, compartiendo la carga de sus miedos, expectativas y luchas internas.

Cuando hablamos de "QR: Well now you’re here, there’s no way back", no estamos hablando de una especie de peep backstage en la vida de una pareja de artistas, ya que a menudo se reduce a documentales sobre bandas. Al igual que las mejores películas del género documental, plantea preguntas y aborda temas acerca personales para muchos de nosotros. Amistad, lealtad, el sentido de estar perdido en un mundo en constante cambio, la determinación fanática en momentos en que la mayoría de la gente probablemente renuncia. No importa que han pasado tres décadas desde Quiet Riot se encontraban en la parte superior de su juego, no importa que la disminución constante en los años que siguieron tuvo un gran impacto tanto en su estado emocional y su situación financiera. Banali sigue siendo el mismo chico que siempre fue, un baterista con zumbido roca a través de sus venas. Esta película es un poema de amor a la música y esta banda en particular, sino un poema que huye del sentimentalismo barato y la superficialidad, que tiene más alma y el intestino que la mayoría de proyectos similares que hemos visto hasta ahora.

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Fuente: CB 

Reportaje a Frankie Banali (Quiet Riot) desde Rosario

Reportaje que el director de la revista digital rosarina "Thundersteel: the real cult magazine" Lucas Rimaudo le hiciera al baterista de Quiet Riot para el número 32 de su edición febrero/marzo 2015

Una excursión prometedora

Ninguna banda puede nunca sustituir a su vocalista, a veces se dice - es decir, ninguna banda excepto AC / DC, Black Sabbath, Girlschool, Accept... - la lista no es tan corta como se imagina; y al parecer, Quiet Riot se puede agregar también. Con la muerte de Kevin DuBrow, no hay miembros originales en Quiet Riot. Esto es a menudo visto como una sentencia de muerte, pero difícilmente sea así en este caso. Frankie Banali, conocido por su batería de gran alcance, golpes y ampliamente presentado en las discografías de Quiet Riot y WASP, se encuentra todavía en vivo y bien, y fue él quien hizo el llamado para seguir adelante. Esto lo hizo con el bajista Chuck Wright, que estaba en la banda antes del álbum más prolífico "Metal health" pero se fue antes de que fuera editado (tocaba el bajo en "Metal health" y "Don't wanna let you go", pero no en las pistas restantes). Chuck se ha unido y se fue a la banda media docena de veces pero está planeando quedarse en esta ocasión. El guitarrista Alex Grossi regresa triunfante de su primera experiencia en estudio con Quiet Riot, "Rehab". Él nos da confianza en el trabajo de guitarra que recuerda al Quiet Riot clásico, con solos amables y breves y mucha personalidad. Como vocalista, por último, reclutaron Jizzy Pearl, conocido por su trabajo con Love/Hate. La sustitución de un cantante tan icónico como Kevin DuBrow, cuya voz ronca dio una gran ventaja a clásicos como "Metal health", es difícil, pero es ciertamente posible. La voz de Jizzy Pearl es similar gutural y granulada, pero él es más nasal, y tiene algo de blues. Como resultado, él no es tan duro como DuBrow. La música, adaptada a sus cuerdas vocales, va en una dirección nueva y interesante sin descartar el sonido Quiet Riot clásico. La verdad es que la banda había estado estancada durante años, incluso aún siendo el último álbum - "Rehab" - era muy prometedor. La incorporación de sangre nueva en la forma del joven guitarrista Alex, y ahora un cantante talentoso con su propio estilo y personalidad, en realidad ayudó a la banda tremendamente en la elaboración de seis nuevas pistas finas. Deben ser una explosión de aficionados de Quiet Riot y Love/Hate, lo que se destaca para mí es la frescura y nuevo sonido para la banda. No hay señales de la "grandpa rock" aquí. Continúan con la energía juvenil de una banda en ascenso como Quiet Riot fue alguna vez. Pasados ​​del músico son indicativos del sonido actual de la música: el golpeteo, poderosos golpes de tambor y el sonido de metal distintivo, a la luz de las guitarras de Quiet Riot se mezclaron con el sonido de rock duro limpio, blues y de Love/Hate. Los leads son simples, pero muy potentes y son llevados por el  clásico sonido ochentoso de Los Ángeles. Las guitarras abrasan como lo hicieron en los años 80, directas y nunca son demasiado pesado. Los coros son pegadizos como siempre, pero la forma en que los coros de las pandillas se entrelazan con la voz principal es muy impresionante. Le da a los coros cierta majestuosidad. El intercambio inteligente entre Jizzy y el coro de pandillas, ayudado en gran medida por el carisma de Jizzy como cantante, hizo con los coros una gran pieza central en las seis nuevas canciones. Me refiero a las seis, ya que el álbum no consiste en su totalidad de material nuevo. Las últimas cuatro pistas fueron seleccionadas de la última aparición en vivo de Kevin DuBrow con la banda, antes de su prematura muerte. Los miembros de la banda decidieron seleccionar sabiamente pistas que no se han tocado después de la muerte mostrando el vigor de la banda en la ejecución de un material menos conocido. Hablan bien de Kevin DuBrow quien, como siempre, tenía un dominio de escenario, un rendimiento muy caliente. El escenario era su lugar en el mundo, y él se excitaba invariablemente. "Put up or shut up" (QR III) está particularmente bien ejecutado, con coros apasionados donde DuBrow bramó con abrasadores riffs y solos del gran Alex y sonó apretado con el resto de la banda. Aún así, las pistas son un tributo a DuBrow que es bien merecido, aunque me pregunto si pertenecen a este álbum. Podrían haber sido bonus tracks. La producción de las canciones en vivo no es fantástica, tampoco (un hecho, ya que, por supuesto, no esperaban que sería el último concierto de Dubrow); pero la producción en las nuevas pistas está bien. No es exactamente para audiófilos, pero reproduce el sonido clásico de Quiet Riot como pocos álbumes modernos pueden. Escuché a Loudness hoy en día y podrá sentir los días de "Thunder in the East" - no así con Quiet Riot. Es como si están de vuelta en los años 80 con la grabación de este nuevo álbum. Este cuenta con un mejor material que muchos de los álbumes que ofrecían con Kevin DuBrow... estoy emocionado por el futuro de Quiet Riot. Voy a estar allí cuando ellos vienen de nuevo en la zona, y voy a estar allí cuando lanzan un nuevo álbum. Por ahora, se puede esperar una gira con una multa de nueva formación y un buen material nuevo. Este álbum no es exactamente brillante, pero es lo último que Quiet Riot nos entrega.

Fuente: Metal Archives